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Una de las cosas más bellamente irónicas del arte es que rara vez encuentra a su audiencia en el apogeo de su creación. Por lo general, el arte solo se aprecia tardíamente. Mucho después de que su creador haya pasado de su creación. En un momento en que los espíritus afines en busca de significado se topan con esa pieza única que les habla al alma. El arte, sobre todo, es un delicado equilibrio entre diseño y función. Películas como Ruben Brandt, el coleccionista comparten esa cualidad singular. Están elaboradas desde las profundidades de las almas de sus respectivos creadores, hechas con un propósito y expuestas a la vista de todos.
En su propio tiempo, por supuesto.
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Películas para ver si te gustó Ruben Brandt, el coleccionista
Ruben Brandt, el coleccionista es un thriller de acción húngaro de 2018. Sigue al psicoterapeuta protagonista, en extrema necesidad de ayuda. Acosado por pesadillas inspiradas en obras de arte famosas, solicita la ayuda de cuatro de sus pacientes para robar 13 cuadros. Como señala uno de sus reclutas, el objetivo es “poseer tus problemas para conquistarlos”.
En consecuencia, se produce una persecución del gato y el ratón entre las autoridades y el criminal más nuevo de la cuadra conocido simplemente como «El Coleccionista».
La película hace uso del cubismo, popularizado por el pintor Pablo Picasso. Eso no solo lo hace extremadamente único en sí mismo, sino que también lo hace destacar entre las películas animadas. Y cuando se combina con el enfoque único de narración de historias del director Milorad Krstić, esta película rivaliza fácilmente con algunas de las películas más alucinantes de la década.
Aquí hay 21 películas más como Ruben Brandt, el coleccionista, que combinan enfoques artísticos únicos con narraciones intrigantes y conocimientos filosóficos y sociopolíticos más profundos.
Moon man (2012)
Esta adorable historia de un pez fuera del agua es una joya rara y mágica.
El «hombre en la luna» es una idea popular de que la cara de un hombre es visible en la luna. La tradición antigua habla de un hombre que fue desterrado a la luna por un crimen. Y así, dio la vuelta a la Tierra por la eternidad, sin poder volver a casa.
Pero en Moon man, el hombre en la luna vuelve a bajar, después de que se aburre con su rutina mundana. Cada noche, observa cómo la Tierra rebosa de alegría y vida. Pero una noche, consigue volver, con la esperanza de explorar el mundo que solo ha experimentado desde lejos.
Lamentablemente, en la Tierra cree que están siendo atacados por extraterrestres. Irónicamente, la única razón por la que se le ve es que el presidente de la Tierra ahora conquistada había puesto su mirada colonizadora en la Luna.
Pronto, la ausencia del hombre de la luna deja a los niños sin poder volver a dormir. ¿Puede el hombre escapar de sus perseguidores y volver a casa antes de que la noche se pierda para siempre? ¡Sólo hay una forma de averiguarlo!
Moon man presenta un estilo artístico maravillosamente atemporal. Combina animación 2D con diseños de personajes únicos. Y este enfoque encaja perfectamente con la historia original de Tomi Ungerer. Con reminiscencias de E.T. El Extraterrestre de Spielberg (1982), Moon man es una experiencia encantadora. Una que seguramente encenderá la chispa de la inocencia infantil y el asombro en cualquier espectador.
La ciudad de los niños perdidos (1995)
Pasamos de niños que no pueden dormir a niños cuyos sueños son robados por ladrones que intentan engañar a la muerte.
Krank es un ser que recuerda al monstruo de Frankenstein. Abandonado por su creador, se encuentra envejeciendo prematuramente debido a su incapacidad para soñar. Aprovecha al máximo la guarida del científico y sus compañeros de creación para descubrir una solución a su situación. Pronto llega a un acuerdo con un culto local de cíclopes: secuestrar niños a cambio de partes mecánicas para el cuerpo. La extracción de niños luego se somete a una brutal máquina de sueños para que Krank pueda seguir viviendo.
Cuando el padre de uno de esos niños decide rescatarlo, se desencadena una cadena de eventos. Una que se sentirá como si todas las películas de ciencia ficción que amabas cuando eras niño chocaran en una obra de arte espeluznante y cacofónica. Y el resultado es algo que es visualmente glorioso, aunque a veces sea difícil de seguir.
Pink Floyd: The wall (1982)
El álbum de Pink Floyd de 1979 «The Wall» es considerado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Aunque recibió críticas mixtas tras su lanzamiento, ahora se considera el mejor lanzamiento de la banda después de «The dark side of the Moon» (1973).
“The Wall” exploró la historia de Pink, una estrella de rock hastiada que se aísla de la sociedad. Las propias experiencias del bajista y cantautor Roger Waters inspiraron la historia. Cuando los fanáticos en los shows de la banda se volvieron cada vez más rebeldes e irrespetuosos, Waters se sintió desilusionado. Tanto es así que deseaba alejarse a sí mismo y a la banda de ellos creando un muro entre el escenario y la audiencia. Esto culminó con Waters elaborando una historia sobre un hombre en aislamiento autoimpuesto después de experiencias traumáticas.
La historia se adaptó más tarde a una película protagonizada por Bob Geldof como Pink. La película combinó acción en vivo y animación en un musical de terror psicológico con muy poco diálogo. A pesar de no hacer declaraciones abiertas, ofreció un retrato íntimo de los problemas de salud mental y las desventajas de la fama. Además de eso, también fue un comentario sobre la alienación social en un mundo cambiante.
En definitiva, The wall es un clásico atemporal. Da vida a la desilusión y la angustia de toda una generación. Además, destaca la lucha contra las figuras de autoridad y los amigos. Como resultado, se ha transformado en un comentario que se aplica a todas las generaciones, sin importar la época o el lugar. Esto pasa a ser una faceta común entre varias películas como Ruben Brandt, el coleccionista.
Themroc, el cavernícola urbano (1973)
El surrealismo a menudo se comunica sin decir nada en absoluto. Como tal, hay muchas películas como Ruben Brandt, el coleccionista que dicen mucho sin decir nada.
Themroc, el cavernícola urbano es una comedia absurda sobre un hombre que rechaza la vida burguesa normal. Sin diálogo, los personajes se comunican a través de gruñidos y galimatías. Debido a esto, una visualización del tráiler puede confundir demasiado. Pero ayuda a entender que esa era precisamente la intención detrás de esto.
Como gran parte del arte surrealista, esta película es tanto una crítica como un mensaje político. Específicamente, Themroc es una sátira de lo que la sociedad moderna le hace al hombre. Es decir, convertirlo de un trabajador aparentemente normal en un hombre de las cavernas urbano.
El planeta salvaje (1973)
La experiencia de ver El planeta salvaje se ha descrito como todo, desde un viaje ácido hasta la raíz del insomnio. Y si eso no te hace salir corriendo de inmediato y encontrar una copia, ¿qué lo hará?
Los Draags de piel azul han mantenido oprimidos y analfabetos a los diminutos humanoides Oms. Como tal, han mantenido el statu quo desde que tienen memoria. Cuando una niña Draag trae el don de la alfabetización a un niño Om, la jerarquía cambia. Pronto, el nuevo orden mundial parece destinado a surgir.
El planeta salvaje es una película experimental de ciencia ficción animada para adultos. Trae consigo imágenes alucinantes y un diseño de sonido igualmente fascinante y desorientador. De hecho, partes de la banda sonora de la película se han comparado con «Atom Heart Mother Suite» de Pink Floyd (1970).
La naturaleza surrealista de la película la ha convertido en una elección popular entre los stoners. Y esto es ciertamente por diseño. Los publicistas de la película insistieron en que la película solo podía entenderse verdaderamente si la mente de uno se alteraba químicamente.
Buñuel en el laberinto de las tortugas (2018)
Luis Buñuel Portolés es ampliamente considerado como uno de los cineastas más influyentes de todos los tiempos. Líder del movimiento surrealista de vanguardia en su juventud, sus inclinaciones se filtraron en sus películas, haciéndolas notablemente distintas. Pero detrás de ese barniz yacía una historia no contada de amistad, traición, política y suerte. E involucra al famoso pintor surrealista, Salvador Dalí.
Buñuel en el laberinto de las tortugas sigue la historia de Buñuel justo después de una pelea con Dalí. Las consecuencias en sí comenzaron cuando los dos estaban trabajando en la controvertida película «L’Age d’Or» (1930).
Como resultado, los dos estaban en fuerte conflicto en su arte y sus inclinaciones políticas. Buñuel tenía inclinaciones de izquierda y un deseo de criticar abiertamente a la burguesía. Dalí tenía inclinaciones fascistas y estaba dispuesto a usar imágenes anticatólicas para impactar. Este último afirmaría más tarde en su autobiografía que la ruptura se debió a que Buñuel era comunista y ateo. Tras su estreno, Dalí calificó la película como anticatólica. Esto provocó un alboroto masivo de varios grupos. Como resultado, la película estuvo prohibida durante casi medio siglo.
De arriba a abajo y de nuevo hacia arriba
Las palabras y acciones de Dalí llevarían a Buñuel a confrontarlo en un hotel. Y lo hizo con la plena intención de dispararle al pintor en la rodilla. No lo hizo, por supuesto. En cambio, Buñuel se conformó con estrangular a la novia de Dalí y esposa del poeta surrealista Paul Éluard, Gala, en una cena.
Tras la reacción violenta, Buñuel luchó por encontrar trabajo. Se movió entre Hollywood y España, pero no pudo encontrar una salida a su situación. En esta película, podemos echar un vistazo a lo que ocurrió en el ínterin. En concreto, qué tramaba Buñuel entre su exilio no oficial del mundo del cine y el estreno de su falso documental surrealista, “Las Hurdes, tierra sin pan” (1933).
Buñuel en el laberinto de las tortugas presenta una animación impresionante. Algunos pueden sentir que no hace justicia a sus protagonistas surrealistas y anarquistas. Pero el enfoque no surrealista da vida a su historia de una manera que ayuda a comprender sus mentes excéntricas y artísticas.
Al igual que las otras películas como Ruben Brandt, el coleccionista en esta lista, Buñuel en el laberinto de las tortugas combina cine y arte de una manera novedosa. Sin embargo, a diferencia de algunas de las entradas en esta lista, esta presenta mucho diálogo.
El fantasma de la libertad (1974)
Si esa pequeña instantánea de la vida de Buñuel te tiene intrigado, esta comedia dramática surrealista seguramente te hará cosquillas en los pliegues de tu cerebro.
El fantasma de la libertad teje una historia de encuentros casuales aparentemente independientes. Se vuelven cada vez más extravagantes y absurdos a medida que se desarrolla la película. El tema recurrente de la película es que nada está predeterminado. Postula que creamos la realidad simplemente tomando las decisiones que tomamos. Esto es más evidente en la infame escena de la cena. Cambia maravillosamente el guion de lo que consideraríamos «normal» en nuestra sociedad. Al hacerlo, desafía las nociones preconcebidas de la audiencia sobre el bien y el mal.
Lo que hace que el trabajo de Buñuel sea tan impactante es que, en esencia, cada pieza que creó era un espejo de la sociedad. Y en el reflejo hay una serie de grietas. No en el espejo en sí, sino en nuestro frágil orden social que en realidad es solo una colección de reglas sin sentido que no tiene un propósito real.
Además de permitir la creación de obras maestras como El fantasma de la libertad, ¡por supuesto!
Destino (2003)
En el reverso de la intrigante vida y el arte de Buñuel está la obra de Dalí. En particular, la colaboración del pintor surrealista con Disney seguramente te cautivará e inspirará. Sin embargo, el agotador viaje de la película hacia la realización puede hacer que te preguntes si el costo del arte siempre vale la pena por la lucha devastadora.
Dali y el artista John Hench realizaron el guion gráfico del cortometraje en 8 meses. Luego, con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, las finanzas de Disney se desplomaron y la película permanecería en un infierno de desarrollo durante cinco décadas.
El producto terminado final dura poco menos de 7 minutos y tardó 58 años en terminarse.
Destino sigue la historia de Chronos, la personificación del tiempo y la fuente de la primera generación de dioses, y una mujer humana llamada Dahlia. La película es absolutamente fascinante y cautivadora, a pesar de ser tan corta. Y mientras Dahlia se acerca a la pantalla, dibujada y animada en el estilo clásico de Dalí, con la inmaculada voz de la cantante mexicana Dora Luz, es bastante fácil ver por qué.
Pero detrás de esta apariencia impresionante hay una historia desgarradora de dos amantes separados por el laberinto del tiempo. Y detrás de eso hay un mensaje sobre el inevitable paso del tiempo. De manera similar a varias películas como Ruben Brandt, el coleccionista, Destino combina el dolor del corazón con imágenes que comunican las profundidades del alma.
El testigo (1969)
El testigo es una sátira sucinta del comunismo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Originalmente aprobada y financiada por el régimen comunista húngaro, luego se prohibió durante más de una década. El interés internacional finalmente lo sacó de las mazmorras.
La sátira política se mueve en una delgada línea entre el humor negro y la propaganda. Y El testigo camina por la cuerda floja con una delicadeza asombrosa. Lo hace siendo una película contada por húngaros, para húngaros, a la vista del mismo sistema que critica.
La historia sigue a un simple cuidador de diques que es arrestado por sacrificar ilegalmente un cerdo. Sin embargo, en lugar de pasar un mal rato, se encuentra en una nueva posición en el gobierno. Sigue tropezando y sigue subiendo por razones inexplicables. Y aunque parece ajeno a la situación, es evidente que algo siniestro está en marcha.
I lost my body (2019)
Esta película maravillosamente encantadora se lee como un cruce entre «La mano» (1981) y «Ratatouille» (2007). Esto la convierte en una comedia de terror surrealista extrañamente entrañable, una que vale la pena cada segundo que pasas viéndola.
I lost my body se abre con una mano cortada que escapa de los confines del laboratorio en el que se encontraba. Emprende un angustioso viaje por París, con la esperanza de reunirse con su dueño, un pizzero adolescente llamado Naoufel. Quien, como resultado, una vez estuvo desesperadamente enamorado de la bibliotecaria Gabrielle. Una mujer con la que ha pasado cinco minutos charlando a través de una empresa de telecomunicaciones.
Los flashbacks cuentan la historia romántica junto con el peligroso viaje de la mano a casa. Y eventualmente se desarrolla en un arco final que te dejará sin aliento. Tal vez no del todo de la manera que esperarías.
Las pervertidas (1966)
Las pervertidas es una comedia dramática checoslovaca que da la vuelta a varios tropos, de una manera verdaderamente surrealista.
Se centra en dos mujeres jóvenes, «Marie I» y «Marie II», y su molestia con el mundo. Hartas, eligen rebelarse contra él en una serie de bromas. La premisa es bastante simple. Sin embargo, su ejecución está repleta de tantos simbolismos y comentarios que se ubica allí como una de las mejores películas jamás realizadas.
Las pervertidas fue originalmente una crítica a la decadencia burguesa. Desde su lanzamiento, se ha convertido en una crítica del autoritarismo, el comunismo, el apego excesivo a las reglas sociales y la representación estereotipada de las mujeres en el cine.
El enfoque vanguardista de la realización cinematográfica de Věra Chytilová demuestra ser el vehículo perfecto para su estilo único de comentario sociopolítico. Ella esencialmente pinta una imagen de lo que significa sobrevivir en una sociedad que no se construyó para ti. Al retratar a las dos mujeres como marionetas sin nombre y sin emociones, parodia cómo la sociedad ve a las mujeres. Al superponer en su interpretación a individuos altamente inteligentes y manipuladores que utilizan el patriarcado en su beneficio, muestra cuánto más hay en ellas que los estereotipos.
Un hada llamada Liza (2015)
Otra oferta húngara, Un hada llamada Liza es una comedia negra galardonada sobre el amor, el romance y el asesinato.
Liza es una enfermera solitaria de 30 años que vive en una Hungría ficticia capitalista en los años 70. Tiene un amor especial por la cultura pop japonesa, incluida su música y cuentos populares. Pero su amor no termina ahí. Tiene un amigo japonés, el fantasma de un ídolo del J-pop de los años 50. Su pupila es Martha, la viuda de un embajador japonés. Además, sueña con tener su propio encuentro personal en una hamburguesería como en su novela japonesa favorita.
Desafortunadamente para Liza, sus intereses y mundos están en curso de colisión. Su amigo fantasma mata a su pupilo y a todos sus amantes potenciales. Liza pronto se convence de que se ha convertido en un hada zorro y está causando la muerte de todos los que la rodean.
Incluso en una lista de películas como Ruben Brandt, el coleccionista, Un hada llamada Liza se destaca. Es maravillosamente única y peculiar, pero también discreta.
Psiconautas, los niños olvidados (2015)
Psiconautas es una película española de terror y drama animada para adultos coming-of-age. Se abre con una historia de fondo de una isla que alguna vez fue próspera ahora reducida a una desolada pesadilla post-apocalíptica después de la explosión de una fábrica. Resulta que la explosión hizo algo más que arruinar la isla. Atrapó a un demonio dentro de un joven adolescente conocido como Birdboy. Intenta desesperadamente contener al monstruo con la ayuda de las drogas que obtiene del cerdito Zachariah y el ratón Dinky.
Sorprendentemente ingenioso a pesar de su tema profundamente macabro, la película es un cuento con moraleja. El arte surrealista impactante es el vehículo para mensajes en capas. En el primer acto, las lecciones ambientales toman el asiento delantero. Sin embargo, a medida que avanza, queda claro que hay mucho más en su mensaje. La pérdida de la inocencia y el trauma de vivir en un mundo invadido por los horrores cotidianos son temas igualmente significativos.
Sin embargo, a pesar de que pinta un panorama sombrío de la vida tal como la conocemos, también ofrece esperanza. Y recuerda a sus espectadores que «hay luz y belleza… incluso en el más oscuro de los mundos».
El color de la granada (1969)
Para aquellos que buscan películas como Ruben Brandt, el coleccionista, El color de la granada es una visita obligada. Si no por otra cosa, por su impactante uso del color en sí.
Esta película de vanguardia rusa ocupa un lugar especial en los corazones de los armenios. Esto se debe a que el cineasta Sergei Parajanov se inspiró en los poemas de Sayat-Nova. Parajanov utiliza un enfoque impresionista para representar la vida de Nova, lo que la convierte en una de las experiencias visualmente más fascinantes.
El color de la granada es una de las películas más influyentes de todos los tiempos. Ha inspirado a directores como Francis Ford Coppola y Martin Scorsese, a los actores Robert De Niro y a los músicos Madonna, Lady Gaga y R.E.M. Como tal, ha dado forma a la industria del entretenimiento tal como la conocemos. Y más allá de eso, ha ayudado a inmortalizar a Sayat-Nova, a pesar de la oposición y los intentos de suprimir la película en su forma original.
The art of happiness (2013)
Este drama animado sigue a Sergio, un ex pianista y taxista de Nápoles. Dejando a un lado su trabajo diario, Sergio lidia con la muerte de su hermano, desaparecido desde hace una década. Como resultado, a menudo está deprimido sin esperanza ni alivio.
Pero mientras trabaja una noche lluviosa, encuentra fragmentos de su hermano perdido en cada pasajero que adorna su asiento trasero. Mientras tanto, escucha la radio y trata de descubrir en sus divagaciones el sentido de la vida.
The art of happiness es una obra de arte profundamente filosófica y espiritual. A veces onírico y otras pesado y desolado, es un viaje intrigante. Uno que ve a su protagonista tejer amargado y esperanzado al mismo tiempo.
Chico & Rita (2010)
“El amor es una canción que nunca se olvida”.
Chico & Rita es una película de animación española llena hasta los topes de música y romance. El pianista Chico y la cantante Rita persiguen sus sueños por varias ciudades en los años 40 y 50. Pero a medida que se aferran desesperadamente a su amor mutuo, aprenden que la vida no siempre funciona como uno espera.
La película es tanto un romance como una oda a las raíces culturales y una era pasada. La animación es absolutamente hermosa y la banda sonora es una delicia musical. En general, Chico & Rita combina maravillosamente la tragedia de dos amantes desafortunados con temas como el racismo y la segregación en Estados Unidos.
Enter the void (2009)
‘Experimental’ es el nombre del juego cuando se crean películas como Ruben Brandt, el coleccionista, y Enter the void marca todas las casillas en ese sentido.
Esta oferta es tanto una película de arte experimental como un drama psicológico. Sigue a un traficante de drogas llamado Oscar que pierde la vida en una redada de drogas que salió mal. A continuación, la perspectiva en primera persona de la película lleva al espectador a través de la vida de Oscar, completamente fuera de orden cronológico. La película fue diseñada para ser una experiencia en sí misma. Como tal, no tiene una trama real.
El mismo Oscar usa y trata con drogas psicodélicas, lo que naturalmente conduce a algunos momentos alucinantes en la película. Pero la película también utiliza imágenes y sonidos psicodélicos. Como tal, Enter the void es un viaje audiovisual de principio a fin. Ambientada en los clubes nocturnos iluminados con luces de neón de Tokio, permite al espectador vivir de primera mano el viaje extracorpóreo de Oscar hacia el más allá.
Más allá de sus imágenes y, a pesar de no tener necesariamente la intención de hacerlo, Enter the void también ofrece comentarios conmovedores sobre la pérdida, la soledad y la vida después de la muerte.
Cat city (1986)
Se desarrolla en los 80. Un sindicato de gatos ejerce todo el poder. Pretenden erradicar toda la población de ratones. Y cuando se pierde toda esperanza, se llama a un salvador para que luche por el pueblo.
Cat City es una película animada que parodia varias franquicias cinematográficas importantes, incluidas James Bond y Star Wars. Ambientada en la ciudad de «Pokyo», sigue una persecución literal y figurativa del gato y el ratón.
Esta película húngara se estrenó en un momento en que el régimen comunista, a pesar de sus inclinaciones liberales, aún mantenía a la región en gran parte aislada del mundo. Como tal, la capacidad de la película para contar una historia políticamente cargada que refleje el estado del mundo es bastante impresionante. Más aún cuando se tiene en cuenta uno de los guiones más divertidos jamás escritos.
Lamentablemente, el humor no funciona tan bien en inglés y los fantásticos juegos de palabras y chistes se pierden en la traducción. Cat City sigue siendo, sin embargo, un auténtico caos.
This Magnificent Cake! (2018)
This Magnificent Cake! es una película de antología ambientada en el África colonial. Pinta un cuadro de lo que el continente y su gente endurecieron durante estos tiempos. Cinco historias diferentes ilustran este cuento colonial. Esto incluye a un rey con problemas, un trabajador de un hotel pigmeo, un hombre de negocios fracasado, un portero y un desertor del ejército.
El recuento de los horrores de la colonización no es novedoso. Pero lo que distingue a esta película es su capacidad para humanizar a todos sus personajes. En última instancia, el orden social violento no es un acto individual. Es un sistema que se deriva de una red colonial general que saca lo peor de todos sus actores.
Y This Magnificent Cake! se las arregla para contar esta historia con algunas de las animaciones stop-motion más hermosas de la historia.
El rey y el ruiseñor (1980)
Esta maravilla de animación tradicional da vida al cuento de hadas del mismo nombre de Hans Christian Anderson. Lamentablemente, a pesar de su brillo, la pieza estaría plagada de problemas de producción. El más significativo es un productor que lanza un corte inacabado de la película sin el consentimiento de sus creadores. El rey y el ruiseñor más tarde sería recuperado y lanzado en su forma prevista por el director Paul Grimault. La película, por lo tanto, tardó tres décadas en completarse finalmente.
La película se centra en el despiadado rey de Takicardia, Carlos V + III = VIII + VIII = XVI. Charles está enamorado de una pastora, pero su corazón está en un deshollinador. Por la noche, los retratos de los amantes cobran vida mientras un retrato del rey los persigue. El pájaro protagonista actúa como narrador, disfrutando mucho burlándose del rey en todo momento.
La película animada tuvo un profundo impacto en la industria. En particular, sirvió como una importante fuente de inspiración para los directores Hayao Miyazaki e Isao Takahata. El dúo más tarde co-fundaría Studio Ghibli. Miyazaki, en particular, notó que el uso del espacio vertical por parte de Grimault fue una influencia significativa en su trabajo.
La tragedia del hombre (2011)
La tragedia del hombre es una crónica y crítica de la condición humana. Más específicamente, la película animada sigue a Adán, Eva y Lucifer mientras viajan a través de la historia y reflexionan sobre la belleza y la inutilidad de la existencia humana.
La tragedia del hombre comienza con la creación estándar del mundo. Sigue la tentación de Lucifer y la expulsión de Adán y Eva del Jardín del Edén.
Enfurecido por el abandono de Dios, Adán cumple en consecuencia la profecía de Lucifer. Una que vio a este último burlarse de Dios por crear una raza que intentaría jugar a ser Dios algún día. Luego, el dúo se embarca en un viaje a través de la historia. Lucifer lleva a Adán a diferentes períodos para darle una idea del futuro que imagina. Excepto que, en lugar de progresar hacia la divinidad, Adán encuentra a la humanidad yendo en círculos, volviendo más al caos.
La progresiva desilusión y desesperanza de Adán están marcadas por la presencia recurrente de Eva en cada una de sus vidas. Eva lucha contra la injusticia y la opresión a lo largo de la historia. Pero cada vez, ella es castigada por ello. Adán, sin embargo, tiene la opción de marcar la diferencia. A pesar de esto, aprende una y otra vez que aprender la humanidad está condenada a repetir la historia para siempre.
La película tiene 15 segmentos, cada uno animado en un estilo diferente. Tomó 23 años hacerla debido a la caída del comunismo en Hungría que detuvo la financiación del proyecto. A pesar de eso, esta película se sostiene maravillosamente como una obra de arte y como un comentario sobre la supervivencia y el sufrimiento.
“El arte es la clave para los problemas de la mente”.
Ruben Brandt, el coleccionista deja caer varias perlas de sabiduría a lo largo de la película, pero algunas ciertamente permanecen mucho más tiempo en el cerebro. Es cierto que una película que combina arte y psicología seguramente tendrá diálogos de calidad. Sin embargo, esta película logra sobresalir, incluso entre el mar de películas suaves que hay.
Un sello distintivo de películas como Ruben Brandt, el coleccionista, es su uso inspirado del arte mismo. Por un lado, su arte cuenta una historia emocionante. Por otro lado, su arte ofrece un medio para ofrecer comentarios profundos. A veces, puede ser un comentario sobre la condición humana, el trauma, el dolor y la sanación. Otras veces, puede ser una versión más ardiente de temas sociopolíticos o culturales. Y otros más, es un mural de la gran saga de la existencia humana. Cualquiera que sea el camino que tomen, cada película en esta lista es intensamente radical a su manera.
